KIX

Dok.edit Award Winner 2024 – 10 Years of Growing Up in Budapest

KIX captivates audiences with its experimental and immersive storytelling. Over several years, director Bálint Révész follows a group of children from the poorest neighborhoods of Budapest, creating an unvarnished and compelling portrait of their life realities.

The documentary centers on Sanyi, a working-class boy from Budapest, whose story unfolds over a decade. As the film opens, viewers see children playing carefree on the streets, establishing an initial sense of innocence that will soon be challenged. Révész, who also serves as the cinematographer, befriends the children through skateboarding, lending them his board as they joyfully navigate their surroundings, decorating the streets with chalk. These encounters evolve into friendship, yet it becomes clear that the next 90 minutes will depict ten years of Sanyi’s formative life.

However, this initial carefree spirit starkly contrasts the harsh realities faced by the children. They are confronted with drugs, violence, and the constant dangers of urban life. Though only around nine years old, they behave more like adolescents grappling with puberty, using foul language, fighting, and causing chaos. The strikingly vulgar dialogue grabs the audience's attention and highlights that Sanyi and his friends are prematurely burdened with issues that should not concern children their age—problems stemming from being alone in the big city. Sanyi articulates in voiceover, “It may look like we are playing, but this is serious for us.” This sentiment captures the multifaceted nature of poverty in Budapest, as they encounter homeless individuals living in ruins.

The symbol of chalk reappears throughout the film, as the children embellish not only the streets but also the ruins, often making irreverent jokes at the expense of the homeless. These lively images contrast sharply with quieter scenes, where the children respond to profound questions, offering a glimpse into their inner worlds. For example, when asked, “What do you think about work, Sanyi?” the children respond with an unusual rationality for their age.

Révész adeptly switches between dynamic and still moments, enhancing the authenticity of the narrative. As Sanyi and his friends approach adolescence, a demonstration against their teachers encapsulates their frustrations. The streets become canvases for chalk and graffiti, while Sanyi exhibits aggression in his social interactions—fighting at school and during swim practice, asserting his independence against authority, which he attributes to the chaos at home. Despite these aggressive tendencies, moments of playfulness persist. Sanyi's extended monologues in voiceover reveal his quest for direction in life. The family dynamic shifts, focusing increasingly on Sanyi's younger sister, as their grandmother harshly remarks, “Yes, the girl is cute, but she shouldn’t have been born.” Concurrently, the frequency of social services visits increases, indicating the parents—especially the overwhelmed mother—struggling to fulfill their roles. Initially presented humorously, these interactions quickly turn serious, exposing the father’s inability to cope, leading to aggressive outbursts.

Despite the film's dark moments, glimmers of hope emerge as Sanyi and his friends encounter positive changes. Renovations and Sanyi's newfound enjoyment in sports hint at potential growth. Yet, like classical dramatic theory suggests, the tension escalates toward impending catastrophe. Approaching adulthood, Sanyi engages in reckless behavior, including setting a mattress on fire, which spreads to a neighboring student housing unit, resulting in a tragic death. His disconnect from reality becomes evident when he struggles to write a letter of apology to the widow of the deceased, needing his mother to dictate it.

The film concludes, mirroring its opening, with scenes of tussles in the park featuring a now ten-years-older Sanyi. This emotional journey fosters an intense connection with Sanyi, especially during the reading of his statement at the trial, which serves as a poignant summary of his life as portrayed in the film. After 90 minutes, viewers feel intimately acquainted with Sanyi. The unusual closeness between the audience and the protagonist becomes particularly poignant during the emotional recitation of Sanyi’s verdict.

The film's narrative unfolds with profound emotional impact, particularly at the moment of Sanyi's sentencing. This lengthy observation allows the audience to witness Sanyi’s development and gain a deep understanding of his challenges and triumphs.

Remarkably, KIX often feels like a fictional film, defying the conventions of typical documentaries. The director's skill in condensing such a long period into a mere 90 minutes is impressive, enhancing the drama and intensity of the narrative. This compression invites viewers to not only witness Sanyi's life but also to engage emotionally with his journey, creating a captivating experience that blurs the lines between documentary and narrative film.

The authenticity of the film is amplified through its raw imagery. Nothing feels polished or edited; the point-of-view shots at the film’s start immerse viewers directly into the director's and cinematographer's perspective. The handheld camera work, shaky and using a fisheye lens, evokes the style of early 2000s skateboarding videos. Viewers feel as if they are getting to know the young Sanyi and experiencing his life firsthand. Additionally, the amateur, experimental B-roll footage—with strong digital zoom and camera shake—further enhances this natural, “unfiltered” atmosphere, edging the film toward a found-footage aesthetic. This all contributes to an emotional closeness to Sanyi, while the recurring chalk motif reinforces the film's artistic character.

The film’s audio design significantly contributes to its emotional resonance and atmospheric depth. It skillfully combines diegetic and non-diegetic elements to draw the audience into the narrative and the characters' inner lives. Non-diegetic voiceovers, where the protagonist serves as narrator, allow the audience to delve deeper into his thoughts as he reflects on his experiences. This narrative style fosters an intimate connection, letting viewers experience events from the protagonist’s perspective. Sound effects enhance emotional proximity to the characters and heighten scene intensity. For instance, rhythmic drumming accompanies the children's scuffles in the playground, adding a humorous touch. In a scene where Sanyi stands under a waterfall, the combination of natural water sounds and aggressive bass symbolizes the immense force of water, but also the symbolic restlessness inherent in Sanyi, creating a powerful atmosphere. The blend of documentary realism with symbolic sound design immerses the viewer deeply in the cinematic world, evoking a suffocating yet overwhelming ambiance that underscores the protagonist’s physical experiences.

The film’s editing impresses with its ability to distill a vast amount of footage into a concise runtime without losing the narrative thread. Despite the abundance of scenes and moments, the film’s structure remains clear and coherent, keeping viewers engaged. Audiences inevitably wonder how such a wealth of footage was seamlessly integrated without sacrificing critical narrative elements or depth. This extraordinary editing craft lends the film dynamism and structure, rightfully earning it the title of "Best Documentary Editing." It demonstrates how meticulous selection and precise cutting can achieve a balanced interplay between content and form.

Overall, KIX presents an exceptional cinematic journey that compellingly portrays the life realities of children in Budapest's poorest neighborhoods. The documentary excels through its experimental storytelling, granting viewers deep insight into Sanyi’s life while illuminating the challenges faced by an entire generation.

By skillfully blending authentic imagery, thoughtful audio design, and precise editing techniques, the film creates a captivating narrative that blurs the lines between documentary and fiction. The emotional closeness to Sanyi and his friends is heightened by the artistic portrayal of both humorous and serious moments, crafting a multifaceted representation of their reality.

As the winner of the Dok.edit Award 2024, KIX stands not only as a documentary but as a poignant appeal for understanding and empathy toward the living conditions of children from working-class families in Eastern Europe's urban fringes. It is to be hoped that this film raises awareness of the challenges these children face and gives them a voice.

~FK

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deutscher Originaltext:

Dok.edit Award Winner 2024 – 10 Jahre in den Straßen von Budapest

Der Gewinner des Dok.edit Awards 2024 zeichnet sich durch seine experimentelle und eindringliche Erzählweise aus. Über einen Zeitraum von mehreren Jahren begleitet der Filmemacher eine Gruppe von Kindern aus den ärmsten Vierteln Budapests und schafft es, auf eine unverfälschte und packende Weise, ein schonungsloses Porträt ihrer Lebensrealitäten zu zeichnen.

Der Film beginnt mit intensiven Nahaufnahmen der schmutzigen Straßen von Budapest, die durch den Einsatz von grobkörnigem, amateurhaft wirkendem Material wie Vintage-VHS-Aufnahmen eine raue Authentizität erzeugen. Diese Bilder zeigen das soziale Milieu, in dem die Geschichte verwurzelt ist: Obdachlose, Drogenabhängige und eine Vielzahl von Menschen, die von der Gesellschaft an den Rand gedrängt wurden.

Zentraler Protagonist ist Sanyi, ein Junge aus der Arbeiterklasse, den der Filmemacher schon in jungen Jahren kennenlernt. Der Film zeigt ihn und seine Freunde dabei, wie sie durch die Straßen streifen, randalieren und ihre Umgebung mit Straßenkreide bemalen. Die unbeschwerte Atmosphäre dieser Kinderspiele wird jedoch nach und nach von düsteren Themen wie familiärer Gewalt, Drogeneinflüssen und gesellschaftlicher Vernachlässigung durchzogen. Sanyis innerer Monolog offenbart bereits früh die Ernsthaftigkeit ihrer scheinbar spielerischen Aktionen: „Es sieht aus, als würden wir spielen, aber für uns ist es ernst.“

Im Verlauf des Films werden die Kinder immer rebellischer. Handheld-Kameras fangen die zunehmend hektischen und chaotischen Situationen ein, während sie sich in der Schule und auf der Straße auflehnen. Besonders eindringlich ist die Szene, in der Sanyi und seine Freunde eine Matratze anzünden – eine scheinbar harmlose Aktion, die zu einem tragischen Feuer und dem Tod eines Mannes führt. Dieser Wendepunkt markiert den Übergang Sanyis von einem rebellischen Kind zu einem Straftäter, dessen Realitätsferne sich besonders zeigt, als er nicht einmal in der Lage ist, eigenständig einen Entschuldigungsbrief zu verfassen.

Der dokumentarische Stil des Films ist durchweg von einer Mischung aus Authentizität und künstlerischer Experimentierfreude geprägt. Symbole wie die Straßenkreide, die die Kinder immer wieder verwenden, um ihre Umgebung zu bemalen, schaffen eine ständige visuelle Verbindung zu ihrer unschuldigen Kindheit, die jedoch zunehmend verloren geht. Die Kreide, die anfangs als Ausdruck von Kreativität und Kinderspiel dient, wird später in ihren Aufständen und Rebellionen gegen die Gesellschaft und das Schulsystem verwendet – sie schmieren Protestparolen und Graffiti auf die Straßen.

Visuell bedient sich der Film verschiedener Techniken, um den rauen Alltag der Kinder einzufangen. Der Gebrauch von Fisheye-Objektiven erinnert an Skate-Videos der 2000er-Jahre und verstärkt das Gefühl der Unmittelbarkeit und Nähe. Die Verwendung von POV-Aufnahmen, bei denen die Kamera teilweise von den Kindern selbst geführt wird, lässt den Zuschauer direkt in ihre Perspektive eintauchen. Dadurch fühlt man sich als Betrachter fast, als würde man Sanyi durch seine Kindheit begleiten.

Ein weiterer bemerkenswerter Aspekt ist die starke Wechselwirkung zwischen A- und B-Roll: Die Kamera wechselt fließend zwischen hektischen, actiongeladenen Szenen und ruhigen, beinahe introspektiven Momenten, in denen die Kinder still für die Kamera posieren oder in alltäglichen Handlungen eingefangen werden. Diese Momente verstärken das Gefühl von Authentizität und Nähe.

Das Sounddesign des Films unterstreicht die emotionale Tiefe und den Spannungsbogen der Erzählung. Nicht-diegetische Trommelgeräusche, die an Tierdokumentationen erinnern, begleiten die Kämpfe der Kinder auf dem Spielplatz und verleihen der Szene einen rhythmischen Fluss. Besonders herausragend ist eine Szene, in der Sanyi unter einem Wasserfall steht – das Rauschen des Wassers wird mit tiefen, bedrohlichen Bässen kombiniert, die die rohe Kraft der Natur widerspiegeln und Sanyis innere Zerrissenheit verdeutlichen.

Die Off-Text-Passagen, gesprochen vom Filmemacher und Sanyi selbst, geben dem Film eine zusätzliche erzählerische Dimension. Vor allem Sanyis Monologe gewähren Einblicke in seine Gefühlswelt und seine Suche nach Perspektive, während die dokumentarische Stimme des Filmemachers die Außenansicht liefert und dabei nie den Eindruck von Künstlichkeit vermittelt.

Das Editing ist ein herausragendes Merkmal des Films, das ihm den Dok.edit Award mehr als verdient eingebracht hat. Die Herausforderung, zehn Jahre aus dem Leben eines Kindes in nur 90 Minuten zu erzählen, wurde meisterhaft gemeistert. Trotz der Fülle an Material bleibt der rote Faden der Geschichte stets erkennbar, und der emotionale Spannungsbogen verliert nie an Kraft.

Die Erzählstruktur erinnert dabei beinahe an das klassische aristotelische Drama: Auf den Aufbau und die Steigerung folgt eine Katastrophe – der Brand und Sanyis anschließende Verurteilung –, die den Höhepunkt des Films darstellt. Die finale Szene, in der Sanyi zehn Jahre älter wieder auf dem Spielplatz rangelt, schließt die narrative Klammer und gibt dem Film eine melancholische, aber konsequente Endnote.

Der Film überzeugt nicht nur durch seine narrative Kraft, sondern auch durch die emotionale Tiefe, die er beim Betrachter auslöst. Die filmischen Stilmittel – von experimentellen Kameratechniken bis hin zum fein abgestimmten Sounddesign – verstärken das Gefühl, dass man nicht nur einen Dokumentarfilm, sondern beinahe ein Spielfilm-Drama gesehen hat. Der emotionale Höhepunkt wird erreicht, als Sanyi vor Gericht steht, und das Publikum realisiert, dass es die letzten 90 Minuten mit dem Aufwachsen eines Jungen verbracht hat, dessen Schicksal sowohl tragisch als auch exemplarisch für viele Kinder seiner Generation ist.

~FK

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